爱的艺术读书笔记(合集八篇)。
读书能提高人的修养，我们需要耐心的阅读作品，这样会有更多感触。读后感就是将我们在阅读时产生的共鸣记录下来，结合文章去理解它。想要了解“爱的艺术读书笔记”的最新动态栏目小编已经为你收集了，阅读本文可以带给您有趣的思考和不少的收获！
爱的艺术读书笔记【篇1】
《爱的艺术》五年前读过，时至今日又饶有兴趣地重读起来。书本不厚，却字字珠玑！关于爱情的理论，我想是这样的。爱情，首先是积极的，而不是消极的，是人内心生长出来的东西，而不是被俘虏的情绪。
爱情的第一要素，是给而不是得。
“给”在一个性格还没超越接受，利用或者贪婪阶段的人，对给的理解往往误解为是放弃，或是被别人夺走东西或是做出的牺牲。一个”重商主义“的人“给”，那一定要通过交换，只给不得对他们来说是欺骗。而有创造性的人对“给”的理解则不同，他们认为给，是力量的最高表现，通过给体验他们的力量。在物质范畴，给是财富，但给的最重要的范畴决不是物质范畴，而是人与人之间的范畴。一个人究竟能给予别人什么?
可以是最宝贵的东西，也可以是他生命的一部分，但这不代表他一定要为别人献出自己的生命。而是他应该把他内心有生命力的东西给予别人，比如同别人分享他的'欢乐、兴趣、理解力、知识等有生命力的东西。他给决不是为了得，而是通过他的给，不可避免地会在对方身上唤醒某种有生命力的东西，从而使双方都充满快乐。
爱情就是这样，有生命力才能创造爱情的能力。反之，如果你爱一个人，无法唤起他人对你的爱，那么这样的爱情是软弱无力的，是一种不幸！
爱情的第二要素是关心：
爱情是对生命以及我们所爱之物生长的积极关心，如果缺乏这种积极的关心，则不是爱情，是一种情绪。爱的本质其实是创造和培养。
爱情的第三要素是责任心：
责任心不是义务，更不是外部强加的东西。责任心是一件完全自觉的行动，是我们对另一个生命表达出来或尚未表达出来的愿望的答复。“有责任”意味着有能力并准备对这些愿望给予的回答。
爱情的第四要素是尊重：
爱情如果有责任心而没有尊重，那责任心就很容易变成控制别人和奴役别人。尊重别人不是惧怕对方，“尊重”一词，从字面理解是有能力实事求是地正视对方和认识他独有的个性。尊重对方也就是说努力地使对方能成长和发展自己，而不是服务于我。如果爱对方，就应该接爱对方本来的面目，而不是要求对方成为我们希望的样子。当然，只有当我们自己做到独立，而不是想着去控制和利用对方的情况下，尊重对方才有可能。爱情也只有在自由的基础上才有真正的爱情。
爱情的第五要素是了解：
人们只有在了解对方之下才能谈尊重对方。如果不以了解为基础，关心和责任心都会是盲目性的，毫无益处。了解的方式多种多样，作为爱情的要素之一了解是要深入事物的内容，而不是满足于一知半解，只有以他人的眼光看待他人，而把自己的兴趣退居二线，才能真正的了解对方。
每个人都是立体的，多面的，包括我们自己，我们对自己是个谜，别人对我们永远是个谜，我们必须客观地去认识自己和对方，以使自己看到对方现实的状况，只有客观地了解一个人，我们才能在爱中了解对方的真正本质。F215.cOm
爱的艺术读书笔记【篇2】
说起沟通就让我联想到：因为我与跨部门的一位同事没有沟通好，而造成了一些工作上不必要的失误。正因此事我就选读了这一篇《沟通的艺术》，我感触很深，很多时候确实是因为沟通不到位而产生一些不必要的错误、一些争执或者说是一些更大的麻烦；它让我认识到沟通的重要性：出来社会工作就更应该与同事建立一种相互尊重、相互理解以及良好的人际关系，这也已成为你能否在一家公司立足，甚至是升职的重要因素了。
想想自己在一路走来的工作生涯中与各部门的同事相处也还算融洽，但自从我接手出纳岗位一职后，发现自己态度不好，不懂得与人沟通，不懂得与每一位同事都应建立良好的关系。
沟通，心态很重要，沟通不只是一种讲话的技巧，更是要保持一种良好端正的心态，不要总以自我为中心，要纵观大局；学会控制自己的情绪（把脾气拿出来，那叫本能；把脾气压回去，那才叫本事）；从而掌握沟通的方法。
沟通，更是一种关心，一种发自内心的真实情感，学会怎样关心人就学会了做人的基本、学会了怎样生存；尊重他人、礼貌待人。用友善方式与人沟通，让对方能感受到被尊重的感觉，称呼上要尊重对方，说话要顾及对方，说话要符合场合，尊重他人，用谦虚的态度与人相处，即使自己与对方的观点、意见不一致，也应保持礼貌，实事求是，对事不对人，不要刻意去攻击对方的人品、道德。
沟通，主动更是基本的要求，不管是与同事，上下级之间都要主动与对方沟通，及时反映情况，并应学会做一个忠实的听众，要懂得分场合分时机与人沟通；注重与人交谈的细节、技巧，要站在别人的角度看问题，懂得换位思考。交谈更是为了与人建立良好的关系，交流思想和信息同。
沟能更是利益共赢，沟通不是说服他人，而是一种感染力，一种展示自己形象的方式，对不同的人要采取不同的方式、方法，依现实情况做需要做的事，做到明智、谨慎，又能掌握到处事艺术，成为整个局面的操纵者。学会沟通的技巧，这世界将会变得更加的美好，完美，社会将会更和谐；团队战斗力的不断增强，让事业的不断的进步。
爱的艺术读书笔记【篇3】
1、如果艺术只不过是，或主要是个人视觉的一种表现，就不可能有什么艺术史。我们就毫无理由像现在一样，认为凡是在相距不远的地方画出的树木，必然是一家眷属，相似乃尔。艺术之所以有部历史，是因为艺术艺术错觉，不仅仅是艺术家的劳动成果，而且是艺术家分析形相时不可或缺的工具。
2、知识来源于惊奇，这是希腊人的理念，当不再惊奇，也就有知识停止的危险。本书各章在于回复读者的惊奇感，再现为人类竟能用形、线、影、色呈现那些被我们称之为“图画”的视觉现实的神秘幻象而倍感惊奇。
3、普林尼普简要总结古典文化时期观点、：心灵是视力和观察的真正工具，而眼睛只充当一种容器，接受和传递意识的可见部分。
4、感觉(sense);知识(knowledge);猜测(inference)，这些成分在知觉活动中发挥作用。
5、李格尔的观点：观点艺术总在于描绘个体对象，而不同于描绘那个无限的世界本身。埃及艺术家以极端方式体现这种态度，因为视觉仅扮演次要角色。描绘事物是按照它呈现于触觉的样子，亦即能反映事物那无关乎视点变化的永恒形状的更为“客观”的感觉。这就是埃及人避而不去描绘第三维的原因所在，因为透视纵深和短缩会把一种主观成分引入到画面。尽管希腊曾向第三维迈进一步，允许眼睛参与立体的知觉，但直至古典文化后期，像悖论一样，这个进展给予现代观察者退化的印象。因为这种方法描绘的人扁平不成形，而且只去描绘个体事物，不注重周围环境，所以这些笨拙的热播在模糊背影的衬托下尤为刺眼，然而这是一个转变而非衰退的阶段。李格尔看作是更具主观倾向的日耳曼部落的插足，艺术得以在更高水平继续它的转化。从文艺复兴时期所设想的立维空间的实体感概念，转到巴洛克风格中，进一步增加视觉主观性，从此转到印象主义之中，纯光学的感觉取得了胜利：“每一种风格都着眼于忠实地描写自然，毫无旁骛，但每一种风格都有自己对自然地概念”。
6、丘吉尔对绘画艺术的形象理解：记忆在绘画中所起的作用——我们首先注视着所画的对象，转而注视着调色板，再注视着画布，画布所接受的信息往往几秒前以自然对象发出，但它中途经过一个邮局，译为代码传递，它以光线转为颜色，它传给画布是一种密码，直到它跟画布上其他各种东西之间关系完全得当时，这种密码才被译解，意义才能显明，也能反过来从单纯颜料译为光线，不过此时的光线不再是自然之光，而是艺术之光。
7、画家所探索不是物质世界的本质，而是我们对物质世界的反应，他关心的不是原因，而是产生某些结果的机制。他的问题是一个心理学的问题——怎样呈现一个令人信服的物象，而不管任何一个个别阴影不符合所谓的“现实”。为理解这一难题须探索人们心灵记录各种关系的能力，而不是记录一些个体要素的能力。
具有上述那种能力并不在要我们去创造艺术：如果我们不是这样被谐调好能适应种种关系的话，我们在这世界也将寸步难行。类似我们对光的格差，即所谓的梯度反应，而不是对任何一特定物体反射光的可测性做出反应。不论是小鸡或人，我们视网膜所得到的是起伏跳动的光点。
8、在远处看电影起初会感到歪曲、失真，但几分钟之后，我们学会把自己的位置考虑进去，比例也自然而然恢复正常。形状如此，色彩亦是如此，微弱的光线以开始会令人产生不适，但是借助眼睛的生理适应机能，很快又恢复正常。人和动物都有越过各种不同的变异去认识同一性，把种种变化条件考虑进去保持一个稳定世界的框架的能力。离开这种能力，艺术就无法存在。每当碰到一种不熟悉的转换类型时，就有一瞬之惊和随之而来的一段时间顺应过程。这种顺应过程存在于我们自身之中。
9、我们带着自己谐调好的感受器去接触他们的作品，我们期待在我们面前呈现一种标记法，某一个符号情境(sign situation)而做好准备去处理它。在这一点上以雕刻为例比绘画更好。当我们走进一尊半身像时，我们知道放在那里等到我们来寻找它的是什么东西，我们通常不会认为半身像时再现被砍下来的躯体。我们能理解这一情境是什么，知道它属于那个社会习俗或程式的东西。同样，我们也无憾于石雕缺乏色彩，相反，一尊半身像显得过分逼真，溢出那个期待它在那里存在的象征符号领域，则会令我们不快。
10、跟文化与舆论一样，一种风格也要建立一个关于预测的视野，一种心理定向，借以用过分的敏感性记录下偏差和矫正。我们心灵在觉察各种关系时记录种种倾向性。
一切文化和信息交流都有赖于观察和预测的相互作用，亦即那种构成我们日常生活的实像、失真、测中、出错等起伏
爱的艺术读书笔记【篇4】
1、如果艺术只不过是，或主要是个人视觉的一种表现，就不可能有什么艺术史。我们就毫无理由像现在一样，认为凡是在相距不远的地方画出的树木，必然是一家眷属，相似乃尔。艺术之所以有部历史，是因为艺术艺术错觉，不仅仅是艺术家的劳动成果，而且是艺术家分析形相时不可或缺的工具。
线、影、色呈现那些被我们称之为“图画”的视觉现实的神秘幻象而倍感惊奇。
：心灵是视力和观察的真正工具，而眼睛只充当一种容器，接受和传递意识的可见部分。
4、感觉(sense);知识(knowledge);猜测(inference)，这些成分在知觉活动中发挥作用。
5、李格尔的观点：观点艺术总在于描绘个体对象，而不同于描绘那个无限的世界本身。埃及艺术家以极端方式体现这种态度，因为视觉仅扮演次要角色。描绘事物是按照它呈现于触觉的样子，亦即能反映事物那无关乎视点变化的永恒形状的更为“客观”的感觉。这就是埃及人避而不去描绘第三维的原因所在，因为透视纵深和短缩会把一种主观成分引入到画面。尽管希腊曾向第三维迈进一步，允许眼睛参与立体的知觉，但直至古典文化后期，像悖论一样，这个进展给予现代观察者退化的印象。因为这种方法描绘的人扁平不成形，而且只去描绘个体事物，不注重周围环境，所以这些笨拙的热播在模糊背影的衬托下尤为刺眼，然而这是一个转变而非衰退的阶段。李格尔看作是更具主观倾向的日耳曼部落的插足，艺术得以在更高水平继续它的转化。从文艺复兴时期所设想的立维空间的实体感概念，转到巴洛克风格中，进一步增加视觉主观性，从此转到印象主义之中，纯光学的感觉取得了胜利：“每一种风格都着眼于忠实地描写自然，毫无旁骛，但每一种风格都有自己对自然地概念”。
6、丘吉尔对绘画艺术的形象理解：记忆在绘画中所起的作用——我们首先注视着所画的对象，转而注视着调色板，再注视着画布，画布所接受的信息往往几秒前以自然对象发出，但它中途经过一个邮局，译为代码传递，它以光线转为颜色，它传给画布是一种密码，直到它跟画布上其他各种东西之间关系完全得当时，这种密码才被译解，意义才能显明，也能反过来从单纯颜料译为光线，不过此时的光线不再是自然之光，而是艺术之光。
7、画家所探索不是物质世界的本质，而是我们对物质世界的反应，他关心的不是原因，而是产生某些结果的机制。他的问题是一个心理学的问题——怎样呈现一个令人信服的物象，而不管任何一个个别阴影不符合所谓的“现实”。为理解这一难题须探索人们心灵记录各种关系的能力，而不是记录一些个体要素的能力。
失真，但几分钟之后，我们学会把自己的位置考虑进去，比例也自然而然恢复正常。形状如此，色彩亦是如此，微弱的光线以开始会令人产生不适，但是借助眼睛的生理适应机能，很快又恢复正常。人和动物都有越过各种不同的变异去认识同一性，把种种变化条件考虑进去保持一个稳定世界的框架的能力。离开这种能力，艺术就无法存在。每当碰到一种不熟悉的转换类型时，就有一瞬之惊和随之而来的一段时间顺应过程。这种顺应过程存在于我们自身之中。
9、我们带着自己谐调好的感受器去接触他们的作品，我们期待在我们面前呈现一种标记法，某一个符号情境(sign situation)而做好准备去处理它。在这一点上以雕刻为例比绘画更好。当我们走进一尊半身像时，我们知道放在那里等到我们来寻找它的是什么东西，我们通常不会认为半身像时再现被砍下来的躯体。我们能理解这一情境是什么，知道它属于那个社会习俗或程式的东西。同样，我们也无憾于石雕缺乏色彩，相反，一尊半身像显得过分逼真，溢出那个期待它在那里存在的象征符号领域，则会令我们不快。
跟文化与舆论一样，一种风格也要建立一个关于预测的视野，一种心理定向，借以用过分的敏感性记录下偏差和矫正。我们心灵在觉察各种关系时记录种种倾向性。
一切文化和信息交流都有赖于观察和预测的相互作用，亦即那种构成我们日常生活的实像、失真、测中、出错等起伏
爱的艺术读书笔记【篇5】
最近我看了卡耐基的一些作品，他说：“只要站起来的次数比倒下去的数多一次，就是成功”。“成功是给能够坚持到最后的人的”。这些话使我深受启示。他点燃了我心灵的火花，激起了我成功的欲望。可作为一线教师的我，怎样才能成功呢？我想必须要从读书开始。读书就是要求进步，读书就是要求成功，读书就是与持有某些观点的人进行心灵的交流。其实，人每天都在交流，你我面对面的交流是浅层次的交流，这样的交流可以让我们相互认识对方、产生感情、做成朋友。而读书也是这样，书就是人。读谁的书，就是在和谁交流，这种交流是属于深层次的交流，也就是与某些高层次的人交流。我通过读书，不但了解了于丹、浩然、金庸、高玉宝、卡耐基等。也让我学习了他们。学习他们那种高尚的品质，学习他们做人的精髓。用他们的熏陶、用他们的影响，来提高自我、充实自我、塑造自我。记得苏联教育学家苏霍姆林斯基说过这样一句话：“教师进行劳动和创造的时间好比一条大河，要靠许多小的溪流来滋养它。教师时常要读书，平时积累的知识越多，上课就越轻松。”。由此可以看出，走进书本，就是完善生命。教师的快乐来自读书。教师的成功也来自读书。
一、提升道德形象，追求人格完美。
教师是人类灵魂的工程师，是太阳底下最光辉的职业。我作为一名教师能出现在三尺讲台上真的很高兴，也很激动。所以我很珍惜我的职业、在意我的称谓。要让自己无愧于教师的称号、无愧于人民的厚望，做一名合格的人民教师。所以，我在平时的工作中总是严格要求自己的一言以行、一举一动。时刻树立自己的形象、时刻做学生的表率。不训斥学生、不挖苦学生，哪怕是学生犯了错误也是如此。比如：有一次我在黑板上板书的时候，突然听到下面哗然起来。原来有一名学生不知怎么搞的，竟把一堆废纸弄着了。我当时无名火真的上来了。但又一想，我是老师呀，不能太激动、要控制自己。幸好这个时候下面已经是鸦雀无声了，我正好就坡下驴。稳定了下情绪重新讲起课来。课后我找该生谈了话，效果很好。之所以这样做，也是我读书以来的改变。正是“赏识使人成功，抱怨使人失败。不是好孩子需要赏识，而是赏识使孩子越来越好。不是坏孩子需要抱怨，而是抱怨使孩子越来越坏”的影响。通过读书更新了我的观念、转变了我的思想。就这样，读书让我在实践中不断提升自己的道德形象，追求自己的人格完美。
二、强化知识内涵，无私奉献学生
作为一名教师最重要的`是要具有渊博的知识，在课堂上才会得心应手、妙笔生花。而我们还是用自己原有的那点陈旧的知识来迎接今天新时代学生的挑战，那不是自找苦吃吗！原来说：要想给学生一滴水，教师要有一桶水。可现代的学生他要管你要一桶水，你却只有一桶水怎么办？这就需要我们教师要不断更新自己的知识、充实自己的知识，把自己的一桶水变成一潭之水，乃至大海之水。让自己的知识渊博起来，去奉献给学生，去实现我们的人生价值。
通过读书学习，完全改变了我的认识，让我真正理解了“书到用时方恨少，事非经过不知难”的含义。所以，从今以后我要养成爱读书的好习惯，发奋读书、多读书、读好书。让书净化我的心灵，让书充实我的知识，让书改变我的人生。也让书把我带到成功的彼岸！
爱的艺术读书笔记【篇6】
谈话本是再平常不过的事情，但对于教师的我们来说，如何使谈话成为一种自然、流畅、真诚的语言交流，这就让我有幸拜读《谈话的艺术》这本书。这本书是曾耶鲁大学知名讲师克菜泽所著。书中告诉我们，嗓子对于演讲者来说是非常重要的，如果子出问题了，那再好的演讲者，再好的演讲稿也不能表达出来。
同时，噪子对于我们教师而言也是十分重要的。教师每天要上课三至六节课，经常大量讲话，经年累月，很少有声带不伤的。所以广大教师群中得馒性咽炎疾病的不在少数，慢性咽炎已成为我们教师的职业病，而这是我们平时对噪子运用不恰当或者讲课时声嘶力竭造成的结果。所以我们一定要在日常生活中好好保护好自己的噪子。多进行正确，运用嗓子的训练。不要等到喉咙生病了オ去重视。
书中告诉我们，要想保护好嗓子，在喧嚷嘈杂的环境里，最好不要勉强用嗓子，很多好嗓音都毁于习惯在大街上或其他喧闹的地方不停地说话。在那种环境里，最好休息嗓子别说话，因为你的声音一定竞争不过那样的喧闹。
放松嗓子的一个好办法就是打哈欠。当然，不用等到真有想打哈欠的时候，只需要模仿一下打哈欠的动作就可以达到理想的效果。在建议大家哈欠练习过后，可以马上读或说上一段，试试嗓音，看看声调自如程度改善的情况。
爱的艺术读书笔记【篇7】
《爱的艺术读书笔记》
导语：
人类对于爱这一主题的思考从古至今从未间断，而《爱的艺术》这本书的出现，再次引发了对于爱的深入思考。这是一本由德国心理学家艾里希·弗洛姆所著的经典著作，他以心理学的角度审视了爱的本质，提出了一系列有关爱的观点。本次读书笔记将详细展开对《爱的艺术》的阐述，旨在帮助读者更好地理解爱的真谛，并从中汲取智慧。
第一章：爱的难题
爱是人类生活中最基本的需求之一，几乎每个人在追求爱的过程中都会面临各种困难和矛盾。本章中，弗洛姆探讨了爱的难题，并指出爱的成功与否与个体内在的一系列心理因素有关。他认为，人们应该重新审视自己内心的需求和动机，以及在与他人建立联系时的态度和行为。
第二章：爱的对象
在这一章节中，弗洛姆提出爱的对象不仅包括个体之间的人际关系，还包括人们对于自然、艺术和工作等其他事物的热爱。他通过对不同类型的爱进行分析，揭示了不同类型爱的内在因素和表现特征。同时，他也指出了爱的对象与个体内在需要的契合度以及对于自我实现的影响。
第三章：爱的理论基础
本章节中，弗洛姆探讨了爱的理论基础，从心理学的角度解释了爱的运作机制。他认为爱不仅是一种感觉，同时也是一种积极的行为，个体通过积极地投入到爱的实践中，才能获得更多的幸福感和满足感。
第四章：爱的练习
爱是一门艺术，需要通过实践来不断磨练和提升。在这一章节中，弗洛姆提供了一系列关于如何培养和发展爱的能力的建议。他认为，爱是一种结果导向的行为，个体需要不断地迈向自我实现的目标，并以此为基础去拥有和关爱他人。
第五章：爱的解放
本章节中，弗洛姆通过对现代社会的批判，指出了爱的真正解放需要超越物质欲望和自私行为，在自我实现的基础上关注他人的需求和利益。他鼓励个体在追求独立和自由的同时，保持对他人的关怀和理解，以构建更加和谐的社会关系。
《爱的艺术读书笔记》通过对弗洛姆的著作进行详细解读，帮助读者更好地理解了爱的本质和意义。弗洛姆以心理学的视角，深入探讨了爱的难题、爱的对象、爱的理论基础、爱的练习和爱的解放等方面，为读者提供了富有启发性的思考和研究方向。通过读书笔记的整理和总结，读者可以更好地掌握爱的艺术，并将其运用于自己的生活中，为个人的成长和社会的进步做出贡献。
爱的艺术读书笔记【篇8】
看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。
每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。
对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。我们相信永远都会有艺术家诞生。” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。他对艺术家们的创作是这么说的，“艺术家和批评家过去和现在都对科学的威力和声望深有印象，由此不仅产生了信奉实验的正常思想，也产生了不那么正常的思想，信奉一切看起来难解的东西。”
而在如何欣赏艺术方面，贡布里希也作了详述：既然艺术是一种美，那么欣赏艺术，就不应该着重于“艺术学”或者“艺术史”所关注的东西，而应该去欣赏一种美，从艺术作品中寻求共鸣。按照作者的说法，艺术家们创造他们的作品的时候，最看重的是如何做到“合适”，而这个“合适”在欣赏的时候，也是最应该看重的。
这关于艺术的“故事”，作者从很久很久以前——史前，一直讲述到了现代。
过去的作品并不是仅仅被当成纯粹的艺术品，而是有明确用途的东西。原始艺术并不章法着技艺的原始，因此他们的东西看起来不顺眼是因为手艺有限。土著艺术家用自己最喜欢和最顺手的形状构成人物或面孔，或许不太像，但却会保持一种图案的统一与和谐，有时也含有特殊的寓意。他们只需要知道它“是”什么，而不需要它看起来“像”什么。
关于字画同源的埃及艺术只有一章，且和后世艺术其实是不同源的。埃及艺术的特点表现为两点：几何形式的规整和对自然的犀利观察。他们的艺术无意给人观看，意在“使人生存”，因而重要的不是“好看”，而是“完整”。到公元前7世纪至5世纪，“埃及人曾经以知识作为他们的艺术基础，而希腊人则开始使用自己的眼睛了。”他们开始尝试表现出事物在他们眼中的真实形象，但也并未完全摒弃古老的观念，依然十分注重表现人体结构，注重关于形式的知识。直到公元前4世纪末，希腊才出现“肖像”的观念。艺术家发现了既能赋予面目生气又不破坏其美的两全之策，并且懂得了怎样捕捉个别人的心灵活动和某个面孔的特殊之处。
在对中国艺术的描述上，贡布里希的认知很有趣，他提到中国艺术家不像埃及人那么喜欢有棱角的生硬形状，而是比较喜欢弯曲的弧线。他还提到了据说临摹自顾恺之的一幅责妻图，他称之为“具有我们所称道的中国艺术的全部高桂和优雅之处。画中的姿势和布置十分清楚，人们对一幅阐明事理的图画所可期待的能是已尽。此外，它也表明中国艺术家已经掌握了表现运动的复杂艺术。这幅中国早期作品中没有丝毫生硬之处，因为画中特别喜欢使用起伏的线条而赋予整个画面一种运动感。”的确，回想起来从青铜时代的饕餮纹开始，中国纹饰艺术从来没有脱离对曲线塑造的追求。而在人物画还在中国画中占领主导地位的时代，中国画家有一个算一个都可以说是曲线控。流畅的曲线和动势以及人物优雅的姿态和柔和的神情，这些是一直延续至今的中国味道。而中国画进入山水画时代后有关“意境”的问题凸显出来。
“有时画家啊就觉得自己分明是在进行这种探险航行。他们想重新观看世界，把肉色粉红。苹果非黄则红之类公认的观念和偏见完全抛开。”表现方式的不同是艺术家的决定，也
左右了我们对一幅画作的回应。艺术家追寻的是一种事物与事物之间相互关系的和谐感，“合适”。但是至于艺术家到底要达到什么样的“合适”，效果，我们却不能带有很多先入之见。因此所谓的“艺术法则”并不是固定的。而根据不同的需要在变化的。古代的艺术家们同时需要考虑他们作画的目的，宗教等等。我们需要在了解了艺术家不同的目的等等的因素之后，才能更好的了解一幅画想要达到的“效果”是什么样的。
卢浮宫的一位馆长曾说了这样一句话来形容《艺术的故事》：“几乎就像《蒙娜丽莎》一样著名。”这本书在大众中很快就大受好评，贡布里希也在序当中写道：“此书的意图，是为了所有面对一个奇异而迷人的领域，觉得需要一种初步指南的人。”艺术原是捉摸不清的，是神秘高深的，但是贡布里希把艺术的历史讲得简单有趣，就像近在身边的，拉近了艺术与人的距离，于是，贡布里希仅仅是一个讲故事的人，而我们也只是听故事的人。因为这故事有趣，而亲近、热爱艺术。